Cómo escuchar música ambiental
Vocabularios y propósitos musicales
Hace muchos años, tuve un amigo de la universidad que era un devoto evangelizador del pintor abstracto Marc Rothko. Recuerdo su chorro sobre un catálogo de la obra de Rothko, mientras pensaba que debía ser desafiado estéticamente; Simplemente no lo «entendí». Después de todo, la mayoría de las pinturas no eran más que grandes rectángulos de color, con ligeras irregularidades y un borde o raya contrastante. Todos los puntos de referencia familiares de línea y forma, perspectiva y sombra, habían desaparecido. Podía apreciarlos como «diseño», pero no como «arte»», aunque eran lo suficientemente agradables, no podía ver por qué alguien se rhapsodize sobre estas abstracciones… hasta que los vi por primera vez por mí mismo en persona, ¡una experiencia completamente diferente! Cuando los encontré en el Museo de Arte Moderno, literalmente me detuvieron en mis huellas, subvirtiendo el pensamiento consciente y sumergiéndome inmediatamente en un estado alterado. No eran sólo lienzos planos en una pared, sino que parecían más como seres vivos, pulsando y palpitando en resonancia a una longitud de onda que tenía una conexión fundamental con la Fuente de las cosas. Me quedé aturdido. No «expresaron» un sentimiento, eran más como sentimientos en sí mismos, y no parecían nada personal para mí, o Rothko, ni para nadie. Cuando más tarde miré las reproducciones de las obras de Rothko en los libros, volvieron a muestras planas de color. Hubo un recuerdo, pero no recreación de mi experiencia. Esta fue una experiencia que dependía de la presencia del artefacto original (art: a fact).
Una melodía no es un tono
Pasé mi vida musical temprana trabajando principalmente con música que utilizaba arte representativo similar, algún conjunto de convenciones musicales familiares para crear su efecto. Hay muchos vocabularios de melodía, contrapunto, ritmo, armonía y estructura que colocan la música en un contexto de forma que la hace comprensible para los oyentes. «Comprehensible» no es precisamente lo que quiero decir, sugiere que la música sólo comunica ideas intelectuales, mientras que, de hecho, transmite y expresa toda una gama de ideas, sentimientos, sensaciones y asociaciones. Pero hay un elemento de «inteligibilidad» a las formas convencionales de música que depende de un vocabulario formal compartido de expresión. Hay elementos familiares que los oyentes utilizan para anclar su experiencia en tiempo real de una composición, elementos formales o sónicos que se toman prestados de otras piezas creadas y escuchadas en el pasado. Cuando me encuentro tarareando una melodía de una sinfonía de Beethoven, o invocando uno de sus ritmos característicos (dit-dit-dit-DAH), recargo un complejo tapiz sonoro a una abstracción, una abreviatura que es fácilmente reconocible para otros familiarizados con la música. Tal vez pueda compartir una idea musical con otros músicos usando la abstracción de la notación. Pero un «tune» no es un «tono», «y una «nota» no es un «sonido». » Es una idea, incluso una idea poderosa, pero cuando me encuentro tarareando la melodía, sé que tengo de alguna manera «consumido» la música, la redujo a un subconjunto de sus convenciones, la deconstruí y la reconstruí para mis propios propósitos.
La música ambiental, y en particular, el tipo de música ambiental al que me referiré como «paisaje sonoro», abandona, o al menos se afloja, muchas de estas convenciones. Por lo general, no hay melodía hummable, a menudo no hay un patrón rítmico recurrente, y si hay una «forma» más grande, «no es comúnmente nada familiar o identificable, incluso para los musicólogos astutos-podría ser completamente idiosincrásico para el compositor. Incluso el vocabulario de «instrumentos» es fluido y demasiado vasto para tener en cuenta. Con la profusión de sonidos que son generados electrónicamente o originados y manipulados a partir de grabaciones de campo, es raro que se puedan identificar instrumentos o sonidos separables y reconocibles, es decir, «nombrados» compositores clásicos de finales del siglo XIX y principios del xx trabajaron duro para tratar de borrar los límites familiares de los instrumentos individuales, utilizando combinaciones instrumentales inusuales y técnicas instrumentales extendidas para desdibujar las líneas sonoras. La música ambiental lleva esto aún más lejos. La paleta de sonidos de los compositores ambientales es más diversa y menos sujeta a «nombrar» que la de los compositores que utilizan conjuntos de instrumentos tradicionales para presentar sus composiciones. Mientras que el sabio puede ser capaz de identificar una fuente de sonido como perteneciente a un método particular de generación (analógico, FM, manipulación de muestras, etc.), la mezcla difusa y la transformación de sonidos pueden confundir incluso a los expertos.
La irrelevancia del virtuosismo
En gran medida, el virtuosismo del músico-a menudo un elemento importante en otros géneros musicales- es reemplazado, en el mundo de la música ambiental, por la habilidad del compositor en la elaboración y la formación del sonido. Los tempos lentos son comunes, y los arpegiadores y secuenciadores obvian, en gran medida, la necesidad de que los músicos ambientales desarrollen sofisticadas habilidades de teclado. Se pueden generar secuencias complejas y rápidas que desafían las habilidades de incluso los grandes artistas. Si bien es cierto que muchos músicos ambientales actúan en tiempo real, la mayoría no. Incluso la noción de «rendimiento» desaparece en gran medida. La mayoría de los paisajes son son obras grabadas; no son comúnmente reproducibles en tiempo real por los artistas intérpretes o ejecutantes en el escenario. Es necesario un conocimiento más técnico del hardware y software de producción de sonido, pero al final, esto se vuelve invisible para el oyente, subsumido por el artefacto de sonido de la música en sí.
La mezcla de sonido en el estudio permite a los compositores ambientales manipular y colocar sonidos libremente en el campo estéreo, sin gravar por cualquier necesidad de representar espacialmente un conjunto de interpretación virtual. Estos elementos se convierten en parte de la composición, mientras que en otros géneros musicales, la mezcla -donde se puede controlar- es más una mejora o efecto especial que una característica compositiva. Algunos compositores ambientales ni siquiera separan el proceso de mezcla de la composición. Yo, por ejemplo, tiendo a mezclar a medida que voy, ya que la dinámica, los efectos y la colocación en el campo estéreo son todas características integrales de mis composiciones.
Música de muebles
Menciono estos elementos de la música ambiental porque tienen implicaciones para cómo podríamos abordar el género como oyentes. No quiero sugerir que sólo hay un estrecho «camino» para escuchar música ambiental. De hecho, parte de la riqueza del género es que es susceptible a diversos enfoques de escucha. De hecho, una forma popular de escuchar música ambiental es ignorarla en su mayoría. Esto es lo que podría denominar el enfoque medioambiental. Aquí, el sonido es tratado – en las palabras icónicas de Erik Satie – como «música de muebles. » Se reproduce, muy probablemente en un nivel muy bajo, en el fondo, mientras que el «listener» va sobre su negocio en el medio ambiente. Musak, o «música de ascensor», era una forma institucional temprana de música ambiental. En entornos públicos, la música ambiental generalmente tiene cierta agenda detrás; puede ser diseñado para hacer que la gente se quede en un espacio, o incluso para irse (música clásica en los centros comerciales como un sónico «arma» para dispersar a grupos de adolescentes). Puede estar destinado a calmar a las personas, o para conseguir que gasten más libremente (la investigación en cuanto a la eficacia de estas tácticas no es concluyente). La rave tiene su «sala de frío», donde los ravers sobreestimulados pueden enfriarse psíquicamente o calmarse. Algunos hospitales están empezando a utilizar música ambiental para crear un ambiente relajante para la recuperación de pacientes.
En el entorno doméstico, la música ambiental ambiental es auto-seleccionada y regulada. En nuestra casa, tenemos una serie de grabaciones que se utilizan expresamente para la escucha ambiental. Mi compañero prefiere un CD con los sonidos de la lluvia, las campanas de viento y las campanas tibetanas. A menudo usa este paisaje sonoro mientras pinta. La selección de música para este propósito es importante. Su CD de pintura favorito no tiene progresión, ni principio, medio ni fin. No hay desarrollos interesantes, temas o puntuaciones sónicas dramáticas. Está desprovisto de ritmo, melodía y armonía. Efectivamente» «congela» (o tal vez la palabra es «libre» ) en un momento presente perpetuo, y ayuda a crear (para ella) un ambiente que sea particularmente agradable para su práctica artística. En mi propio caso, utilizo una variedad de paisajes sonoros como telón de fondo ambiental para mi práctica t’ai chi. Por lo general, hay un poco más de sentido del ritmo y el flujo a los tapices sónicos que seleccionaré para este propósito (esto parece facilitar el flujo del movimiento), pero evito cualquier cosa con demasiado interés musical para t’ai chi, ya que deseo mantener mi enfoque en mi aliento y movimiento.
Música para la meditación
Algunas personas usan música ambiental para la meditación, y esto merece su propia discusión. Muchas personas que primero comienzan a meditar están consternadas al descubrir cuánta charla mental o «ruido» es generada por la «mente mono» que es el estado de vigilia predeterminado de la conciencia humana. Los intentos de sofomar la corriente interminable de pensamiento resultan no sólo infructuosos, sino incluso contraproducentes, ya que añaden una capa adicional de actividad mental. Para algunas personas, la música tranquila y relajante alivia una mente hiperactiva, al mismo tiempo que calma el cuerpo y invita a la amplitud sin necesidad de ninguna técnica especial. Es cierto que gran parte de lo que se vende comercialmente como música «relajación» es vago y sacarina; ciertamente no me ayuda a relajarme. Para un oyente más exigente, el valor artístico debe ser un criterio para la música «relajación». Probablemente estoy demasiado opinado sobre esto, pero para mí, hay una diferencia clara entre la música «mente» y la música «sin mente». Mientras que los quioscos de los grandes almacenes con sonidos de arpa y costa pueden atraer a las masas, rara vez descubro mucha sustancia a estos bombones sónicos; hay opciones mucho mejores para fomentar un ambiente propicio para una mente relajada y flexible.
Brainwave Entrainment
Al buscar música para la meditación, considere los tempos de 60 bpm o más lento, ya que la frecuencia cardíaca tiende a entrenarse naturalmente al tempo fundamental, y un pulso de reposo bajo es deseable para entrar en estados meditativos. Considere también la música que utiliza ritmos binaurales. Estos se crean generalmente con tonos de diferencia en los canales izquierdo y derecho, y pueden guiar gradualmente y sutilmente el cerebro para relajarse en las ondas cerebrales de frecuencia más baja, desde la conciencia de despertar ordinaria (ondas beta: 14-40 Hz), hasta estados relajados o incluso trance (ondas alfa: 7,5 – 14 Hz). En ondas cerebrales por debajo de 7 Hz, usted está durmiendo. Los latidos binaurales se basan en la idea de la formación cerebral, la tendencia del cerebro a sincronizarse con una frecuencia de referencia. Los programas binaurales también pueden inducir el sueño, y hay música ambiental diseñada para este mismo propósito.
La música pesada en el rango de baja frecuencia puede activar estados temerosos o ansiosos para algunas personas, por lo que para tales individuos, puede ser mejor elegir la música para la meditación que es más rica en el extremo medio y alto, o más uniformemente equilibrado a través del rango de frecuencia. Para un relajante «baño de sonido», a algunas personas les gusta rodar un poco las frecuencias de graves con el control de tono en el sistema estéreo. Y seguro, si usted está planeando en el uso de la música ambiental para la meditación, debe ser reproducido a un volumen bajo; dejar que se mezcle con el paisaje sonoro de la vida cotidiana- el whoosh del tráfico, los ladridos ocasionales del perro, y así sucesivamente. Que sea un elemento en el paisaje sonoro en lugar de tomarlo. Esto puede ayudar con la práctica de la atención consciente al momento. Para los músicos, la música para la meditación puede agregar un elemento de distracción, ya que la mente se involucra con ideas musicales. Por esta razón, yo personalmente, no uso la música para la meditación. Prefiero simplemente sentarme en un espacio relativamente tranquilo y permitir que se produzcan los sonidos ambientales que puedan estar presentes, sin (esperemos) nombrarlos o interpretarlos.
Música para Masaje y Acupuntura
Los tratamientos de masaje y acupuntura se pueden mejorar con música ambiental, y aquí se aplican muchas de las mismas pautas. Te recomiendo que traigas tu propia música a estas sesiones, si es posible. Los practicantes pueden o no compartir su gusto, y no hay casi nada peor que tener que escuchar un maldito impulso cuando usted está tratando de relajarse. He compilado varios CDs de mezcla para el masaje, y los míos generalmente tienen una forma para ellos que me ayuda primero a asentarme y relajarme con algo tranquilo y difuso, luego algo más rítmico, ya que el masajista trabaja en áreas problemáticas, luego, al final, un muy espacioso sección, en la que puedo completamente zona-fuera, y dejar que mi cuerpo disfrute de los efectos posteriores del masaje. Esta es mi preferencia personal; si quieres hacer tu propia mezcla para el masaje, debes encontrar la combinación que más te convenga.
Escucha inmersiva – ¿Auriculares o altavoces?
Esto deja un último tipo de escucha que me gustaría discutir: escuchar profundamente, escuchar música ambiental como forma de arte musical. Aquí, te das sumergirte en el sonido y darle toda tu atención. La primera pregunta se tiene en cuenta: ¿auriculares o altavoces? Hay pros y contras para ambos. Los auriculares son preferidos por muchos oyentes ambientales por una variedad de razones. En primer lugar, aíslan la música de los sonidos ambientales, especialmente si los auriculares tienen una función de cancelación de ruido. En segundo lugar, y probablemente lo más importante, hacen hincapié en el ancho del campo estéreo y permiten escuchar claramente los efectos de panoramización (moviéndose de izquierda a derecha, o de derecha a izquierda) que a veces son características muy destacadas de la música ambiental. Es probable que la mayoría de los compositores ambientales se mezclen principalmente con monitores de estudio de campo cercano de calidad, pero casi universalmente comprueban las mezclas con mucho cuidado con los auriculares para la colocación estéreo y el movimiento de los sonidos.
Los tipos más populares de auriculares son copa cerrada, taza abierta y en la oreja (auriculares). Los auriculares son baratos y fáciles de llevar sobre la marcha. Se utilizan más comúnmente con iPods u otros dispositivos de escucha mp3. Dado que se insertan directamente en el canal auditivo, deben utilizarse con extrema precaución, y sólo a volúmenes bajos, para proteger los oídos. La respuesta de baja frecuencia es deficiente y está sujeta a distorsión. Algunas personas, yo incluido, las encuentran incómodas y no pueden usarlas. Para viajar o usar en salas de espera, prefiero un auricular ligero, sobre la oreja.
Los auriculares de copa cerrada reducen el ruido ambiental, especialmente aquellos con cancelación de ruido. Asegúrese de que, si decide auriculares con cancelación de ruido, asegúrese de que la función realmente funciona. Algunas afirmaciones son exageradas. Algunos auriculares de copa cerrada pueden ser incómodos para sesiones de escucha más largas, para asegurarse de que cualquier auricular que considere comprar le queda bien, no es demasiado pesado y no hace que su cabeza se sienta como si estuviera en una visera. Una desventaja de la copa cerrada es que la respuesta de frecuencia de graves puede ser limitada-sin un puerto para dejar que cierta compresión (sonido) escape, menor frecuencia de producción de sonido puede no ser adecuado. Es en parte en la naturaleza de los auriculares que las frecuencias bajas no estarán bien representadas. Simplemente se necesita un cono más grande para crear sonidos de frecuencia más baja, y la distancia para que se desarrollen (las frecuencias audibles más bajas son varios pies de largo). Una estrategia alternativa es utilizar auriculares de copa abierta junto con los altavoces de la habitación, especialmente si hay un subwoofer disponible. De esta manera, los bajos son recogidos, tanto a través de los puertos abiertos en los auriculares, y a través del cuerpo.
El entorno de escucha más inmersivo que he experimentado fue en una «mesa de sonido», donde la vibración del sonido llega a los oídos y directamente a través del cuerpo por medio de transductores integrados en la superficie acolchada. Para la curación del sonido, esta puede ser la tecnología definitiva. Pero la mayoría de nosotros (incluyéndome a mí mismo) no tenemos acceso regular a esta tecnología.
Una alternativa más barata a la mesa de sonido es acostarse cómodamente en un sofá o en cojines con altavoces del tamaño de una estantería colocados a un pie o dos de cada oreja; es como tener un par de enormes auriculares abiertos! Con esta disposición, usted está inmerso en el sonido sin presión en la cabeza o las orejas de usar auriculares, y el bajo está menos comprometido. Experimentando con diferentes configuraciones de los altavoces, he encontrado que la colocación de los altavoces ligeramente por encima y detrás de la cabeza ofrece un sonido particularmente agradable.
Formatos de grabación
Algunos oyentes pueden preferir un esquema de «sonido envolvente», aunque es difícil encontrar mucha música codificada específicamente para este formato. El sonido envolvente no se ha afianzado comercialmente para escuchar música seria. Esto es desafortunado, ya que además de la disponibilidad de una verdadera reproducción de sonido 3D, el formato envolvente DVD de 24 bits proporciona una claridad superior y un mayor rango dinámico práctico. Mientras que las configuraciones de sonido envolvente comercial son populares en los centros de entretenimiento en el hogar, se utilizan principalmente para la observación de películas. Parte de la música ha sido codificada específicamente para los sistemas surround,la mayoría de ella, partituras de películas, ya que ya estaban codificadas para surround en primer lugar.
Pero parece que al menos en el futuro presente y cercano, la mayoría de los oyentes trabajarán con sistemas estéreo de 16 bits, y casi toda la salida de compositores ambientales contemporáneos está formateada para esta reproducción. El bajo nivel de volumen de muchas grabaciones ambientales significa que los bits superiores de las grabaciones de 16 bits a menudo no se utilizan, un compromiso que los elimina de las odiosas «guerras de volumen» de la música popular, pero también limita la resolución de bits. La compresión a través de la codificación MP3 tiende a grabaciones de «aplanamiento» y distorsiona las frecuencias bajas. Escuchando atentamente, a menudo también se puede escuchar warbling u otros artefactos introducidos por compresión. Si bien es necesario para la transmisión, encuentro que la mayoría de las grabaciones están irreparablemente dañadas cuando se codifican a velocidades de bits inferiores a 320 bps. (Espero y creo que más álbumes estarán disponibles en el formato FLAC de 24 bits. Aunque todavía no es práctico para la transmisión, este formato promete ofrecer grabaciones de calidad de audio superior, aunque tiempos de descarga más largos.) Sólo porque los oyentes de rock y pop que descargan sus grabaciones en iTunes pueden haber renunciado en la fidelidad de audio no significa que tengamos que hacerlo! Uno puede hacer el caso de que la música ambiental, en particular, merece el mejor sonido posible.
Escucha inmersiva – Atención y proceso
En cuanto a dónde poner la atención en la escucha inmersiva, la buena música ambiental ofrece muchas incursiones posibles. Si la música está basada en drones, es probable que no haya mucho movimiento armónico, por lo que es más probable que el oído esté comprometido con la textura y la atmósfera. Los drones, que a menudo consisten en un tono tónico primario o una raíz y una quinta combinación, anclan una pieza y proporcionan un telón de fondo para la tensión y la liberación de otros tonos, ya que alternativamente se alejan del dron en la disonancia, o se retiran a él en la consonación. Los componentes melódicos y rítmicos son elementos opcionales en la música ambiental, y tienden a reclamar la atención sonora cuando está presente. Hacen hincapié en el tiempo en el espacio, ya que las frases melódicas son como oraciones musicales, con un principio, medio y final y los ritmos dividen el tiempo en unidades periódicas. Una pieza altamente melódica requiere una atención más sostenida, mientras que una pieza puramente atmosférica puede permitir que el oyente se desvanezca. Me encantan ambos tipos de música ambiental, y aunque más de mis propias piezas son melódicas que no, también he creado composiciones no melódicas.
Ya he aludido al uso creativo del espacio estéreo por parte de los compositores ambientales, y una vez que la estrategia de escucha que disfruto es visualizar un área esférica que se extiende alrededor de mis oídos y delante de mí, en la que rastreo los sonidos a medida que se originan y se disipan dentro de este campo. El hábil uso de la dinámica, el retardo y la reverberación, y el ecualizador permiten a los compositores ambientales crear vívidas ilusiones tridimensionales, y como oyente, disfruto poniendo mi atención en la colocación del sonido y el movimiento en el campo estéreo como un elemento integral de la composición. Además de la colocación lateral del sonido entre los canales derecho e izquierdo, uno puede escuchar la «altura» de los sonidos en el campo estéreo, ya que el oído coloca frecuencias más altas «arriba» y frecuencias más bajas «abajo» También se puede notar las distancias de los sonidos, observando cómo algunos están presentes y cerca, mientras que otros retroceden en la distancia. También es interesante notar cómo reaccionan los sonidos en un espacio imaginario. La música ambiental es típicamente muy venerado, el contenedor percibido para el sonido a menudo cavernoso. Dejar que el oído siga un sonido a medida que resuena en el espacio virtual y luego se desvanece gradualmente puede crear una imagen mental vívida del tamaño del escenario sonoro.
La música ambiental también es rica en sonidos que evolucionan en tono con el tiempo, empleando una variedad de efectos de transformación y controlados por filtro que hacen que un sonido individual entre en su propio viaje. Escuchar los armónicos cambiantes en un sonido, especialmente los parciales superiores que definen el timbre de un sonido, es un ejercicio gratificante en la atención plena del sonido que revela detalles interesantes en una pieza.
Los compositores ambientales pueden evocar cualquier número de tipos de paletas armónicas en su trabajo. Algunos trabajos finos son puramente tonales o triádicos, incluso completamente diatónicos (utilizando sólo siete tonos de una escala), mientras que las obras pueden emplear armonías extendidas, incluyendo escalas exóticas, bitonalidad (sonido simultáneo de armonías en diferentes teclas), armonía de cuarzo (basado en en cuartos en lugar de tercios), e incluso la atonalidad completa (sin «llave de casa», pero la participación igualitaria de los doce tonos. He oído música muy buena usando afinaciones y temperamentos alternativos. Esto es con frecuencia una característica del ambiente tribal o de música mundial influenciado. Una afinación que saca a los oyentes de las conocidas escalas occidentales de igual temperamento puede abrir maravillosas vistas sónicas. Escuchar armónicos «spice» es una gran manera de entrar en una pieza ambiental que puede implicar el uso creativo de la tonalidad y la afinación. No es necesario «identificar» exactamente cuáles son músicalógicamente estos elementos. La sobre-intelectualización puede incluso entrar en el camino de apreciar completamente una composición ambiental. Pero ser consciente de estas posibilidades, y escucharlas, puede abrir el oído y aumentar la conexión personal con una pieza de música.
Mucha música ambiental tiene un fuerte componente visual, al menos para mí. No es de extrañar que tantos compositores ambientales también sean artistas visuales o al menos se deshagan de las formas de arte visual, como yo. Mientras que pocos compositores o oyentes pueden tener verdadera sinestesia (ver la música como color o forma o colores como tonos musicales), la práctica de la visualización durante la experiencia de escucha abre muchas conexiones entre los sentidos y puede enriquecer la experiencia. Algunas piezas tienen un fuerte sentido de «historia», y escribir o contar una historia que surge de una experiencia de escucha de música ambiental puede ser una manera maravillosa de comunicar su visión de una pieza a otros. También es interesante experimentar con escuchar con los ojos abiertos y cerrados. Para mí, estas son experiencias muy diferentes. Me parece que al limitar la entrada sensorial visual, mi audición se vuelve más aguda, y soy capaz de notar mucho más que puedo con los ojos abiertos. Por otro lado, hay algunos videos maravillosos hechos para acompañar la música ambiental, bien vale la pena explorar. La presentación multimedia también puede representar uno de los lugares más viables para la música ambiental en la sala de conciertos. Es posible que el público no acepte la música puramente grabada como una «performance», pero la adición de objetos visuales crea una experiencia más completa de «en vivo».
Hay una tremenda variedad de estilo dentro del género de la música ambiental, que van desde la música espacial de la Nueva Era a la música muy oscura, orientada al ruido industrial. Trato de probar todo lo que puedo, aprendiendo y apreciando la diversidad de este género en crecimiento. Es emocionante ser parte de este formato aún emergente, tanto como compositor como como oyente.
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