El barroco es un periodo histórico que abarca los siglos XVII y XVII y que planteó cambios artísticos y culturales ensalzando el sentimiento y la espiritualidad.

En su origen la palabra Barroco tenía un significado despectivo para hablar de un arte caprichoso que daba a entender una  expresividad desmesurada y de gran complejidad en el uso de sus recursos musicales. No olvidemos que es el periodo donde aparecen las reglas de la armonía y se fijan las tonalidades que conocemos hoy día (Escalas Mayores y Menores que nos hacen sentir alegría tristeza). Se dice que la palabra proviene etimológicamente del portugués barroco, que significa “perla irregular”, aunque, como movimiento artístico, surgió en Italia y se extendió progresivamente por el resto de Europa y América.

EL BARROCO EN MÚSICA: UN NUEVO ENFOQUE Y SUS COMPOSITORES

J. P. Rameau, quien es considerado como el fundador de la moderna armonía nos dice que:

“…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas….”

Por ello, entendemos que el barroco es un período en el cual se busca una codificación de todos los parámetros musicales como forma de ordenar y racionalizar la música.

En este sentido, la música barroca dio lugar a la aparición y clasificación de nuevos recursos expresivos, géneros y composiciones, entre los que encontramos el concierto, el oratorio, la cantata y la sonata. 

Entorno a 1600 surgen las primeras OPERAS de los compositores Peri y Monteverdi. Es un genero que recoge agrupa a múltiples artes (música, poesía, artes escénicas como la danza, artes escenográficas como la pintura, la arquitectura, etc, convirtiéndose en el género que nos proporciona el mayor desarrollo la expresión de los sentimientos. CARACTERÍSTICA CLAVE

Entre medias nos encontramos con Johann Sebastian BACH quien nació en 1685. Curiosamente,  con la muerte de Bach en 1750 se suele decir que el periodo Barroco termina para así dejar paso al Clasicismo musical.

Entre los compositores del Barroco más destacados encontramos a:

• Antonio Vivaldi
• Georg Friedrich Händel
• Henry Purcel
• Claudio Monteverdi
• Arcangelo Correlli
• Jean-Baptiste Lully
• Jean-Philippe Rameau
• Georg Philipp Telemann
• Domenico Scarlatti
• François Couperin
• Johann Pachelbel
• Alessandro Scarlatti
• Marc-Antoine Charpentier

entre otros…

Y por supuesto al ya mencionado Johann Sebastian BACH.

J. S. Bach. Aria de la Suite en Re M Para Orquesta BWV 1068

ETAPAS BARROCO MUSICAL Y SUS CARACTERÍSTICAS: CLAVES  PARA DIFERENCIARLO DE OTROS ESTILOS

Como decimos, se trata de un periodo donde se crean nuevas técnicas para poder expresar los sentimientos de la mejor manera posible y esto no se genera de la noche a la mañana.

Podemos hablar de tres etapas o sub-periodos en la música barroca:

ETAPAS

• BARROCO TEMPRANO (1580-1630): 

Predominio de la música vocal frente a la instrumental y comienzan a diferenciarse

Rechazo al contrapunto del renacimiento (nota contra nota)

En Italia encontramos a C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.

• BARROCO MEDIO(1630-1680). 

Predomina la ópera y la cantata

Se distingue entre aria, arioso y recitativo. 

Se igualan la música instrumental y la vocal. 

Se revisa el contrapunto anteriormente rechazado. 

En inglaterra encontramos a H. Purcell y J.B. Lully en Francia.

• BARROCO TARDÍO (1680-1750):

La música instrumental se impone sobre la vocal. 

Las formas musicales utilizada dan lugar a obras más largas

Aparece el estilo concertado donde  

El uso de la tonalidad queda establecido. 

Los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman son los más destacados

CARACTERISTICAS DE ESTE PERIODO

• LA MONODÍA: Es el uso de una sola melodía con acompañamiento instrumental.  Reemplaza al contrapunto en cuál impedían la expresión musical y el entendimiento de los textos.
• EL BAJO CONTINUO: Es la clave para entender el barroco. Se trata de una línea musical de notas graves que crean un colchón para acompañar a la voz principal más aguda y que se interpreta ininterrumpidamente hasta el final de la obra. Esta puede ser improvisada  y armonizada por el interprete. En la partitura aparecen cifras que se escriben encima o debajo de la línea del bajo, dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado. Serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa son los encargados de realizar este bajo continuo. 
• SE FIJA LA TONALIDAD Y UNA MAYOR PRECISIÓN EN LA ESCRITURA DEL RITMO Y LOS ORNAMENTOS: Aparecen los primeros tratados de armonía y se abandona la improvisación en la creación del ritmo en la interpretación. Se escribe todo con mayor detalle.
• VARIEDAD DINÁMICAS POR TERRAZAS: Agrupadas en planos sonoros por terrazas en donde se mezclan diversos grupos de instrumentos para lograr mayor expresividad en la música buscando el contraste.
• EL ESTILO POLICORAL VENECIANO: Se utilizan coros tanto de voces como instrumentos para separados entre sí espacialmente y tocando alternadamente.
• IMPORTANCIA DE LA VOZ Y EL TEXTO: Para intensificar la fuerza emocional del texto dentro de la música vocal, se emplean tres técnicas de composición a través de formas musicales: el recitativo, el arioso y el  aria.

Recitativo: se recita el texto de forma declamada al tiempo que se canta  siguiendo los acentos del texto.

Aria: Es una melodía cantada que es enriquecida añadiendo adornos.

Arioso: mezclando las dos anteriores

Fuente: Artynsax