Los acontecimientos dramáticos en la música alrededor de 1600 en Italia afectaron profundamente la música de Europa durante la época barroca . Varios grupos de literatos y músicos formaron sociedades para revivir los principios artísticos de la antigua Grecia . Experimentaron con un tipo de drama que usaría la música como complemento de la poesía. El resultado musical fue la negación de la polifonía , la reducción de la melodía a una posición subordinada al texto y la creación de una línea de bajo con armonía de acompañamiento improvisada para apoyar el drama en la voz cantada, en conjunto un repudio directo de los ideales de la voz. Renacimiento . Esta fue la ópera temprana. Un compositor italiano del siglo XVII, Claudio Monteverdi , se refirió al estilo como seconda prattica y durante su vida lo convirtió en un medio mucho más fino que el estilo experimental que heredó.
El nuevo estilo afectó mucho la práctica instrumental. Aquellos instrumentos que no podían producir sonidos expresivos y que no podían imitar las pasiones representadas por los cantantes hábiles fueron relegados al registro medio o bajo del conjunto, donde podrían servir como un fondo discreto o como un soporte de contraste para los predominantemente. melodía expresiva. Si el Renacimiento fue la era de los instrumentos de viento de madera, el Barroco fue la era de las cuerdas, y la familia del violín asumió una posición dominante durante los períodos barroco y clásico. Sin embargo, los instrumentos de viento no se pasaron por alto, y antes del final del período, fueron alterados para competir con las cuerdas. Mientras tanto, los vientos fueron útiles para la música de baile y la música municipal (es decir, para las ceremonias de la ciudad). Particularmente en Alemania, se siguieron utilizando los fuertes vientos del Renacimiento. Mantuvieron sus funciones del siglo XVI de tocar regularmente desde las torres, y siempre estuvieron disponibles para escuchar música en iglesias y palacios.
Sin embargo, a principios de la década de 1730, cuando Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel estaban produciendo muchas de sus grandes obras, la reacción se había puesto en contra de la presunta pretensión del elaborado estilo barroco, y se dio prioridad a la simplicidad y la claridad. La importancia de la línea de bajo disminuyó y el contrapunto (el arte de combinar múltiples líneas melódicas en una sola composición), renacido en el estilo del siglo XVIII, fue nuevamente abandonado. A mediados de siglo, el estilo sentimental de una melodía simple ornamentada sobre una textura sin complicaciones de armonía tonal básica se había hecho cargo, y fue sobre esta base que Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart basaron su madurez. Estilo clásico. Los instrumentos de viento de tipo renacentista se conservaron solo en áreas rurales o como instrumentos populares, y los nuevos vientos, desarrollados en el siglo XVIII, desafiaron pero nunca capturaron la supremacía de las cuerdas.
En el barroco la ópera exigía la representación de lo grandioso y majestuoso, por lo que, obviamente, la trompeta era importante. El instrumento se dobló ahora de forma compacta una vez para reducir 7 pies (2 metros) de tubo a solo un poco más de 2 pies (60 cm) de longitud. Las teclas normales de la época eran D o C, un ladrón terminal que bajaba el instrumento D cuando se deseaba C. El trompetista principal tocaba en el rango alto o clarino , que incluía los tonos de la cuarta octava, donde el tono era particularmente magnífico y donde las notas diatónicas disponibles permitían tocar melodías, trinos y diversos ornamentos. Otras trompetas tocaron sucesivamente tonos más bajos. El trombón se utilizó en orquestas de ópera e iglesias. En el período barroco, se fabricaba en tres tamaños: f alto , B ♭ tenor y F bajo, tamaños que se siguieron utilizando en Alemania durante gran parte del siglo XIX. La corneta de agudos ganó un nuevo uso en el barroco. Debido a que su rango igualaba al utilizado normalmente por los violines en el siglo XVII, podía sustituirlos o contrastar con ellos y también ser efectivo en contraste con la voz de soprano . En consecuencia, fue útil en la ópera Orfeo de Monteverdi (interpretada por primera vez en 1607) y en muchas cantatas de iglesias alemanas., así como en conjuntos instrumentales. Difícil de tocar, era extremadamente traicionero, y para tocarlo con suficiente control, necesitaba no solo un buen músico sino también uno con suerte. Los nombres de los instrumentos de viento renacentistas son familiares para muchos melómanos, porque el órgano barroco adaptó tantas paradas imitando el color de estos instrumentos. losLa caña de batir adaptada en el regio renacentista (un pequeño órgano de tubos ) se introdujo en el órgano propiamente dicho y formó una variedad de colores útiles.
Los instrumentos de viento de madera eran demasiado valiosos para que sus colores de tono individuales permanecieran subordinados a los omnipresentes violines, y en París, el músico y constructor de instrumentos Jean Hotteterre , su familia y sus asociados, todos hábiles torneros de madera, rediseñaron primero el oboe y luego la flauta dulce , la flauta transversal y el fagot, todo en la última mitad del siglo XVII. Con la llegada de estos instrumentos, los instrumentos de viento renacentistas desaparecieron gradualmente. Los nuevos instrumentos se tornearon en secciones cortas, peculiarmente con un perfil roto, es decir, un orificio que se expandía o contraía de manera desigual entre las secciones, una característica que no se conservó durante mucho tiempo.
Los oboe
El oboe ( hautbois francés ) fue el primero en competir con el violín. Había que desarrollar el registro superior, difícil e incompleto en las chirimías. Hotteterre estrechó el orificio de la chirimía de agudos , redujo el tamaño de los orificios para los dedos y estrechó considerablemente la lengüeta, que se adjuntó a una grapa y se insertó directamente en la sección superior como en el canto de la musette (tipo de gaita pequeña ). Con la pirueta abandonada, el jugador podría controlar cuidadosamente la lengüeta más delicada y pellizcarla entre los labios para producir vibraciones lo suficientemente rápidas como para soplar. Hotteterre también bajó el habitual tono d ′ en el descant a c ′ colocando una tecla de «mariposa» al final, es decir, en forma de dos alas para acomodar el dedo meñique de cada mano. El oboe tuvo éxito de inmediato; de hecho, se convirtió en el viento de madera preferido en el siglo XVIII. Su tono era rico y expresivo, y sus mejores intérpretes podían imitar todas las sutilezas y características expresivas de sopranos operísticos altamente entrenados. No se cultivó una forma de tenor y un bajo raroen la música artística. Después del Renacimiento, las familias de instrumentos generalmente no se fabricaron, y la interpretación expresiva tuvo una gran demanda en la gama de soprano. El cuerno inglés , o alto oboe, se adoptó alrededor de 1720, pero no tuvo un gran impacto. El instrumento estaba curvado como un cuerno en su forma primitiva y cubierto con cuero. Bach lo llamó oboe da caccia y lo usó ocasionalmente por su tono oscuro y suave.
Fuente: Delphi Pages
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