Muchos conceptos de la industria musical son complejos y difíciles de entender. Si te sientes así es probable que sea porque no has tenido la oportunidad de estudiar el tema a fondo. Particularmente, en este blog conocerás la historia de la industria de la música, lo que a su vez te ayudará a comprender mejor muchos conceptos con los que trabajas a diario.
¿Cuándo nace la industria musical?
La historia de la música se remonta a las primeras civilizaciones. Por siglos, la música era gratis, parte de la tradición oral y de la manifestación cultural. La unidad más básica de la música es la canción o composición: una mezcla específica de melodía, ritmo y armonía.
Dan Charnas, profesor asociado de artes de la universidad de Nueva York (NYU), y autor del libro The Big Payback: The History of the Business of Hip Hop, explica que el negocio de la música nació cuando la composición se convirtió en una “cosa” que se podía vender y distribuir a cambio de dinero.
¿Cuándo se empezó a vender la música?
La primera manifestación de la canción no era una grabación de sonido o máster, sino un papel con información suficiente para que alguien la interpretará, conocido como la partitura.
Según el Prof. Charnas, la industria musical comenzó su desarrollo a finales del siglo 18 y principios del siglo 19, con la llegada de las familias de clase media que podían comprar instrumentos como pianos para comprar e interpretar las partituras.
Con el aumento en la demanda por partituras, los compositores necesitaban ayuda para sacar copias de sus partituras originales, venderlas y distribuirlas. De ahí nace el concepto de la casa editora o editora musical (en inglés, publisher), cuando algunos emprendedores vieron esta nueva oportunidad de negocio.
Mientras el compositor se enfocaba en componer, la editora se encargaba de sacar copias, llevar las partituras a las tiendas, y venderlas. Además, la editora comenzó a recolectar dinero de las interpretaciones públicas de las partituras en conciertos, teatros, eventos, bares, etc.
¿Cómo surge el fonograma?
El próximo momento clave para la industria musical fue cuando Tomás Alva Edison inventó el fonograma en el 1877. El fonograma permitía que una persona grabara su interpretación de una composición para luego escucharla cuantas veces quisiera. Con la invención del fonograma nacen las primeras manifestaciones de los sellos discográficos como Columbia Records en Nueva York.
El Prof. Charnas explica que, al igual que las editoras musicales, los intérpretes no sabían necesariamente dónde comprar la cera o el vinilo que se utilizaba para crear el fonograma, cómo hacer copias, llevar todas las copias del fonograma a las tiendas, y venderlas. De ahí la importancia de una empresa que hiciera todo esto: las disqueras o sellos discográficos.
Como parte de sus responsabilidades, los sellos discográficos tenían que pagarle a dos personas: (1) al publisher a cambio del permiso para grabar la composición; y (2) al intérprete por su trabajo de ejecución en el fonograma.
Por eso es que hoy en día, la industria gira alrededor de estos dos elementos: la composición musical y el máster. Y en esencia, la industria musical gira en torno a esos dos elementos, con la diferencia de que el máster ya no es necesariamente un fonograma de cera o vinilo, sino un máster digital.
¿Cómo surge la figura del intérprete, cantante o artista?
Al igual que la composición, la interpretación de una canción se remonta a las primeras civilizaciones y era parte natural de la tradición oral. Sin embargo, el Prof. Charnas explica que con la llegada de lugares como los teatros donde para poder entrar, ver y escuchar, había que pagar, la interpretación artística evolucionó a su propia línea de negocio. Particularmente con la llegada del micrófono en 1916.
La búsqueda de talento
Con el crecimiento de la industria musical, los sellos discográficos comenzaron a recorrer los Estados Unidos en búsqueda de talentos para grabar sus interpretaciones en fonogramas y venderlos. Particularmente, en tres categorías, que hoy se ven como: (1) POP o popular; (2) R&B (rhythm & blues); y (3) country.
De ahí nace el concepto del A&R (artists and repertoire), la división de un sello discográfico que se encarga de la búsqueda de talentos y el desarrollo artístico y comercial del artista discográfico.
El desarrollo de artistas
En la década de los 50, la industria musical experimentó la llegada de un concepto innovador en manos de Berry Gordy y su disquera Motown Records, en Detroit, Michigan.
El Prof. Charnas explica que, al igual que las famosas empresas que manufacturaban y ensamblaban autos en Detroit, Gordy creó un sello discográfico que trabajaría todo el proceso creativo musical: desde compositores, productores, y músicos, hasta manejadores, editora y una escuela de interpretación.
Marlon Saunders, profesor adjunto del Clive Davis Music Institute de NYU, explica que gracias a este invento de Gordy, los artistas comenzaron a desarrollarse en múltiples líneas creativas.
El manejo de artistas
Aunque Gordy fue de los pioneros en desarrollar artistas, no fungía como un manejador como tal. Un manejador es una persona que trabaja para un grupo o un artista para promover su carrera y desarrollo, y correr los aspectos del negocio. El Prof. Charnas explica que la misión del manejador es asegurar el mejor trabajo para el artista al mejor precio.
La misión principal
En las décadas de los 60 y 70, se comienza a ver dos tipos de intérpretes: (1) el artista/animador, y (2) el autor/compositor. El Prof. Charnas explica que el objetivo principal del artista/animador es crear una audiencia que sea lo más grande posible. De otra parte, el propósito principal del autor/compositor es crear y mantener control creativo. Es precisamente esa misión la que guiará las decisiones más importantes en su carrera.
¿Cómo surgió la figura del productor musical?
También en la década de los 60, surgió una figura de mucha importancia conocida como el productor musical. Al comienzo de la industria, el trabajo de grabación de una composición musical en un fonograma se limitaba a grabar. Sin embargo, con el desarrollo de tecnología algunos productores comenzaron a influenciar la música y el sonido. El Prof. Charnas explica que de ahí surgen dos tipos de productores: (1) los que se limitan a facilitar el proceso de grabación y (2) los que desean impactar al artista con su propio estilo.
¿Cuál fue el cambio que generó el Internet en la industria musical?
Con la llegada de los sintetizadores, drum machines y las plataformas digitales de distribución, la industria experimentó una revolución que abrió las puertas a un mundo lleno de posibilidades. Gracias al disco compacto, la cinta digital, el internet y otras tecnologías, la industria musical pasó de ser una economía física y tangible a una economía completamente nueva.
A finales de los 90 y principios de los 2000, los consumidores de música dejaron de ir a las tiendas a comprar discos y comenzaron a utilizar plataformas digitales como Napster y compartir acceso a librerías musicales.
Los grandes jugadores de la industria se vieron afectados y entraron en guerras legales con Napster, hasta que cerró. Sin embargo, la industria vio que su futuro pasaría de las tiendas físicas a la nube.
En manos de su fundador, Steve Jobs, Apple presenta al mercado el iPod y su oferta innovadora de tener una tienda online de música, iTunes. El Prof. Charnas explica que para lograrlo, Steve Jobs logró convencer a las disqueras más importantes a que hicieran disponible su música a través de iTunes. Gracias a esto, la industria de la música comenzó su migración a la economía digital.
Pronto, los consumidores no estaba muy satisfechos con la ficción de pagar por descargar música porque realmente no eran dueños de algo tangible como antes. De ahí nació la idea de crear una librería de música y dar acceso a cambio de un pago. A este modelo se le conoce como music streaming o transmisión. Algunos ejemplos son Spotify, Amazon Music, y otros.
Fuente: Seed Law PR
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